TARANTINO É UM IDIOTA

O novo filme do diretor Quentin Tarantino, "Era Uma Vez em Hollywood"', estreou no último dia 15 imbuído de polêmicas. Pois bem, fui assistir ao filme com a expectativa moderada, tendo em vista que - na minha opinião - o diretor não vinha entregando nada de relevante nos últimos anos. Nada mudou. Tarantino é conhecido pelos diálogos longos e cheios de conteúdo, nesse filme o primeiro ponto está presente, o segundo não. A produção é lotada de diálogos desnecessários, Tarantino deve se regozijar dessa sua característica enchendo muita linguiça, cansando o espectador, ele conseguiu essa proeza até em um diálogo entre Al Pacino e Leonardo DiCaprio, tarefa que pareceria impossível.

  Um dos maiores erros que os cineastas cometem quando situam o filme em uma determinada época (no caso aqui os anos 60) é justamente querer ficar lembrando o espectador de uma maneira saturada - com músicas, por exemplo - que o filme se passa naquela época... Aliás, trilha sonora é o que não falta pra acompanhar os closes exaustivos das estrelas do filme. Sharon Tate, atriz e musa dos anos 60, é "''interpretada""" pela queridinha de Hollywood do momento, Margot Robbie, que pinta um retrato de Tate como se fosse uma boneca inflável sem talento, ou uma criança de 10 anos no corpo de uma mulher sensual que só faz desfilar e dançar o filme inteiro. O maior pecado aqui está no fato de que cenas reais de Tate são mostradas, em comparação com Robbie fica claro ao espectador que ambas não são a mesma pessoa, quebrando totalmente a "realidade" da interpretação da atriz e do filme. Preguiçoso, Tarantino poderia muito bem ter regravado a tal cena com a atriz para que não ficasse destoante. Na verdade, elas nem se parecem fisicamente.

  Cenas contendo vários minutos de Margot Robbie simplesmente fazendo nada cansam o espectador. Assim como Brad Pitt dirigindo incontáveis vezes pra lá e pra cá. Mais uma vez Tarantino enchendo linguiça em um roteiro vazio. O que dizer de Pitt preparando o seu jantar e o do seu cachorro? Perca de tempo. O mesmo personagem que supostamente assassinou a própria esposa tem muito, """MUITO""" caráter quando recusa ter relações sexuais consentidas com uma mulher de 18 anos que obviamente está interessada nele, pedindo documentos para que ela comprove a sua idade. Bem altruísta. Tarantino tinha que agradar, assim como vem fazendo de uma forma latente desde "Bastardos Inglórios"(2009).

  Outro motivo pra manchete foi o fato de que Charles Manson apareceria no filme. Por decepcionáveis poucos minutos e diálogo - veja bem, no singular - ele aparece sim, nada demais. E a baboseira faroeste - saturada - mais uma vez presente, desde "Django Livre" (pasmem), passando por "Os 8 Odiados" (PASMEM). Depois de alguns cochilos e de algumas torcidas interiores para que aquela tortura finalmente chegasse ao fim, o título "ERA UMA VEZ EM HOLLYWOOD" veio á calhar, tendo em vista o título lúdico do "era uma vez..." já que o filme distorce a realidade dos fatos: quem conhece a história sabe que os fanáticos seguidores de Charles Manson assassinaram Sharon Tate e os seus amigos, mas nem isso Tarantino teve a coragem de mostrar. Medo de chocar? Vontade excessiva de agradar? Realmente, não quis tocar na ferida, mas aí vem outro questionamento: esse não seria o sentido da arte? Não seria o sentido do cinema cutucar e fazer pensar? Chocar! Sim, a vitamina de Quentin Tarantino está cada vez menos homogênea, diria que virou praticamente água. Falam tanto da aposentadoria do cineasta, ele deveria realmente considerar isso. "Era Uma Vez em Hollywood" é um filme fraco, cheios dos clichês e referências do seu próprio criador. O ego é uma coisa perigosa, e o politicamente correto também, que cada vez mais dilui a obra em prol de agradar cada vez mais tudo e todos nos transformando em seres homogêneos e não pensantes.

Ah, talvez o filme impressione garotinhas de 15 anos.

Telas cada vez menores

Há 119 anos os irmãos Lumière exibiram o primeiro filme da história, mais precisamente em 28 de dezembro de 1895, na cidade de La Ciotat, no sudeste da França. Grande parte das suas produções eram documentários curtos, que eram exibidos com o primeiro equipamento criado por eles, o cinematógrafo.

De lá pra cá, muita coisa mudou em termos de avanço de som e imagem, mas o princípio é o mesmo: contar uma história e conquistar o público. Quem diria que na primeira exibição pública do filme "L'Arrivée d'un train à La Ciotat" (A Chegada do Trem na Estação) lá em 1896, o público fugiria da sala acreditando que o trem sairia da tela? Era o cinema iniciando o seu encanto. Hoje em dia, temos salas equipadas com os melhores sistemas de som, o precursor disso foi ninguém menos que Walt Disney, com o filme Fantasia, lançado em 1940. Disney queria que o público tivesse uma experiência totalmente sensorial assistindo ao filme, por ser uma obra em que a música sinfônica tem uma importância enorme, então os engenheiros da empresa desenvolveram o sistema "Fantasound", um esquema que espalhava diferentes sons em diversas partes do ambiente, e é exatamente isso que fazem os sistemas de som 'surround' que usamos até os dias de hoje.

Muitas mídias já foram utilizadas para reproduzir os nossos filmes favoritos, eu mesmo era frequentador assíduo das videolocadoras na infância, alugava sempre os mesmos filmes e nunca cansava, justamente por não ser tão acessível. Nos dias de hoje, á qualquer hora e lugar podemos assistir aos nossos filmes favoritos. As telas foram diminuindo: cinema, TV, notebook, celular (até hoje não sei como alguém consegue apreciar uma produção em telinhas tão minúsculas, tentarei um dia!). A acessibilidade e os "torrents" se manifestaram, muitas opções ao mesmo tempo, muita rapidez, todo dia uma serie nova, é frenético... Tudo que vem fácil, vai fácil. Muitas vezes quando as opções são tantas e a facilidade é tamanha, não temos tempo de realmente apreciar uma obra, de ter uma sensibilidade com aquilo que está sendo mostrado ou deixar que ela nos marque. Acho importante que a cultura do cinema seja acessível, mas que também o seja DENTRO DO CINEMA, que os amassos nunca deixem de acontecer, que o pretexto para ver os amigos e assistir aquele filme (que todo mundo sabe que não é grande coisa) mas que serviu para reunir e tirar umas boas gargalhadas, nunca desapareçam. Cinema é cultura. Cinema é geração. E que nunca, jamais, em hipótese alguma, permitiremos que as histórias contadas nas telonas (ou nas telinhas, eu me rendo...) parem de tocar os nossos corações, afinal, a arte imita a vida, e a vida imita a arte!!!

"No escurinho do cinema, chupando drops de aniz, longe de qualquer problema, perto de um final feliz..."

Cão dos Inferno

Engraçado como eu sempre penso em um título 'esdrúxulo' para os meus textos, é sempre a primeira opção, esse mesmo por exemplo foi o que melhor traduziria o conteúdo desta crônica que eu vos escrevo. Será que não é muito sincero? Tendo em vista que sinceridade está igual ao Pulma do Leste, oficialmente extinto. Foda-se.

Ele acordou como se comandasse os nove círculos do inferno, se pudesse definir o seu dia em cores, elas seriam vermelho, preto e vinho com pitadas de bordô. Ligou a vitrola e tocou um disco de Vivaldi, nada melhor do que 'musique classique' para começar bem o dia e tramar um plano maligno, digno de um vilão de cinema, daqueles que nós amamos odiar. Olhou para o céu e lembro dela. Ele e ela jogaram um jogo muito perigoso: o do amor. Na verdade, era o jogo favorito dele, que adorava os poemas "Wildanos", 'très romantique', talvez funcionassem no século XIX, aliás, talvez ainda funcionem para algumas pessoas, mas são tempos difíceis.
Será que ele realmente havia gostado dela? Ou tudo não passou de um 'rendez-vous'  passageiro? Daqueles que se a união tivesse se concretizado, seria puro tédio e mediocridade, quer dizer, o "gás" todo estava no perigo, nos conflitos e emoções gerados por aquela "união impossível", coisa de filme francês.

O GÁS ERA HÉLIO, E ELE SÓ DESCOBRIU DEPOIS. DEMOROU.
Antes tarde, do que nunca.

PUTA. PROSTITUTA. PROSTITUTA. RAPARIGA. QUENGA. RAPUTENGA.

Pegou um Marlboro, e o primeiro trago foi como se fosse a vida, quando soltou a fumaça, expulsou o que havia dela dentro dele.

PROSTITUTA.

Sabe quando você vai cozinhar, e não precisa ser nada muito elaborado, um miojo pro exemplo. Enquanto mexe o macarrão na água fervendo pensa na vida, profere blasfêmias de amor. É lento, muito lento.
Se sente a Glenn Close, em 'Ligações Perigosas', só falta o vestido renascentista e o Visconde de Valmont.
PLANOS DIABÓLICOS.
Aí você come o miojo, como é bom.
 Lá no fundo, agimos por sentimentos nobres: amor e paixão. Mas no que isso se transformará, ninguém sabe, mesmo que tudo vire amargura e revolta, depois da CONFUSÃO vem a LIBERTAÇÃO.

Mais um Marlboro.

Síndrome de Julianne

Todo mundo conhece Julia Roberts: famosa atriz de Hollywood, beldade das mais diversas capas de revista, ganhadora de Oscar, cabelos ruivos ondulados, boca famosa... Qualidades que não faltam! Sou fã, aprecio várias produções das quais ela participou, mas um dos meus filmes favoritos é "O Casamento do Meu Melhor Amigo" de 1997 (bem "Sessão da Tarde"), em que ela interpreta Julianne, uma crítica gastronômica solteirona que descobre as vésperas do casamento do seu melhor amigo que simplesmente o ama (sim, que surto!). Depois de tanto tempo a ficha caiu.
Julianne tenta a todo custo vencer uma batalha que no fundo já sabia estar perdida. Na verdade, muitas coisas na vida são assim. Ás vezes, só percebemos quando já é tarde demais, ou interpretamos da maneira errada. Ela é aquela pessoa independente, do mundo que simplesmente quer amar e ser amada. Que faz coisas "estranhas" para conseguir o seu objetivo. Me identifico com Julianne.
Numa das cenas mais famosas do filme, logo após roubar um beijo do seu amigo, Michael, o momento é flagrado por ninguém menos que a noiva, Kimmy (infeliz coincidência), e aí se inicia uma perseguição cômica, ao som de "What the world needs now"! Enquanto dirige freneticamente atrás de Michael, liga desesperadamente para o seu melhor amigo gay, George:

- Roubei uma van e estou atrás do Michael na Av. Michigan! Disse que o amava e o beijei e deu nisso!
- Jules, uma pergunta. Quando você o beijou, ele retribuiu? Algo no beijo a fez acreditar que essa perseguição acabaria bem?
- É irrelevante. Fomos interrompidos! Kimmy viu tudo e Michael saiu atrás dela.
- Ele está atrás dela? Você está atrás dele?
- Sim!
- Quem está atrás de você? Ninguém! Entendeu?

Existe poesia nisso tudo. A questão dos amores e paixões que envolvem a nossa vida, das expectativas que nós botamos nos outros e as situações loucas pelas quais passamos. É de se perguntar: QUEM É QUE REALMENTE ESTÁ ATRÁS DE NÓS? Jullianne não é perfeita, e o ser humano é assim. Entre esvaziar o frigobar do hotel e fumar mais um Marlboro Vermelho, ela tem (quase) certeza de que Michael prefere gelatina (ela) á creme brulee (Kimmy). Mas não é assim.
No final, Michael escolhe creme brulee, e ela finalmente entende isso. Bom, não se pode ter tudo e a vida é feita de escolhas. Mas o que realmente importa é tentar, e se não deu certo, vida que segue! O único comprometimento que Jullianne tem é com a sua liberdade, e eu também, afinal, tem coisa melhor do que se sentir livre?

"Forever, and ever, you'll stay in my heart
and I will love you
Forever, and ever, we never will part
Oh, how I love you
Together, forever, that's how it must be
To live without you
Would only meen heartbreak for me..."

Erick Marques

Perdas e Danos (1992)

"Lembre-se: pessoas feridas são perigosas"

Perdas e Danos foi um daqueles filmes que eu vi por acaso no final da tarde de um dia qualquer. Claro, o título me chamou atenção, e quando acabou, fiquei estarrecido. Mas calma, vamos do início: é baseado no livro de Josephine Hart (1991). Louis Malle, famoso diretor francês que lançou o seu primeiro longa em 1958 (Ascenseur Pour L'échafaud - Ascensor para o Cadafalso), fez a adaptação cinematográfica e foi responsável por várias obras que lidam com temáticas polêmicas. Essa produção não poderia ser diferente.

O filme é estrelado por Jeremy Irons (que voz!) e Juliette Binoche (que beleza!), que vivem uma relação, digamos, insólita. Para ser apreciado como (e com) um bom vinho (clichê, mas é verdade), o filme não tem pressa, é frio, se passa na Inglaterra e toca na ferida das relações amorosas e sexuais. Te faz perguntar: e se isso acontecesse comigo?

Em meio a uma cena do campo pincelada por Monet, os olhares e os gestos terão que ser sutis. Entre encontros soturnos e secretos, o desejo explode onde quer que esteja, é incontrolável. Tudo começa com um olhar, daquele tipo que a comunicação é clara e evidente, o fascínio e a conexão se unem em forma de desejo entre duas pessoas. Não precisa-se dizer uma palavra, os dois já entenderam tudo, e é na ação que eles se mostram.

A loucura e obsessão por alguém é mesclada a traumas do passado, que afetam o presente e o futuro. O filme trânsita na psique, e nos faz refletir sobre até que ponto as nossas ações podem nos levar e afetar as outras pessoas que estão ao nosso redor.

 

Perdas e Danos, é um tiro certeiro para quem se interessa por relações humanas e psicologia, além de claro, ser um filme impecável em cenários e fotografia. Foi o penúltimo filme de Malle (1992), que infelizmente faleceu em 1994, e assim como Kubrick, nos deixou com uma obra prima do cinema (De Olhos Bem Fechados, 1999).

Ficou curioso para saber que tal relação é essa? É a minha intenção, atiçar e vontade, não dar "spoilers"! Então, se prepara e não perde tempo, a Netflix adicionou o filme ao seu catálogo recentemente! Outra dica do mesmo diretor é "Au Revoir Les Enfants" (Adeus Meninos, 1987), onde um garoto judeu passa por várias adversidades em uma escola na França durante a ocupação nazista. Até a próxima!

"- Não consigo ver nada além de você.

- Acho que você nunca viu muita coisa."

Erick Marques

Meu Amigo Dahmer (2017)

Eu já havia falado anteriormente sobre Jeffrey Dahmer, quando fiz a resenha da HQ escrita e ilustrada por um de seus colegas do colégio, Derf Backderf. A obra ganhou agora ganhou uma versão cinematográfica, dirigida pelo diretor Marc Meyers e com o roteiro do próprio Backderf.

Fui assistir a produção com grande expectativa, já que o quadrinho não deixou nada a desejar com seus detalhes ricos e ilustrações em preto e branco.

Posso dizer que é um dos melhores filmes que vi ultimamente. De suspense sutil e desenvolvimento calmo, o filme faz jus a obra ilustrada, sem pressa. Enquanto assistia ao filme, visualizei claramente todas as cenas da Graphic Novel publicada aqui no Brasil ano passado. "Meu Amigo Dahmer" não dá prioridade a banhos de sangue exacerbados e assassinatos mirabolantes que só Hollywood consegue produzir. Ele é cru e emotivo, mostra o processo e as consequências que fizeram com que um dos Serial Killers mais notórios do mundo se tornasse o que se tornou, como se fosse um diário audiovisual na vida de um adolescente que se sentia deslocado de tudo e de todos.

Porém, tiveram dois detalhes que me decepcionaram no filme:

I - Uma das sequências mais tensas da HQ é quando Dahmer é parado pela polícia por estar vagando de madrugada sem nenhum motivo aparente. Só que no porta-malas do veículo se encontram os restos mortais de sua primeira vítima. O mesmo afirma que era apenas lixo para o oficial, que acredita e o libera. Essa cena infelizmente não está no filme, senti muita falta, pois o clímax ia ser perfeito!

II - Também houve uma confusão na linha do tempo: Na HQ, Jeffrey faz a sua primeira vítima, Steven Hicks, logo na sequência Backderf está dirigindo e encontra Jeffrey vagando sozinho na estrada, oferece uma carona para deixá-lo em casa, enquanto conversam dentro do carro. Só que no FILME, essa mesma sequência do carro acontece primeiro e Backderf percebe resquícios de sangue nas mãos do colega... Mas é só depois que Dahmer vai matar Hicks. Confesso que fiquei confuso... Como ele poderia ter resquícios de sangue se nem tinha chegado a matar ainda?

HQ - Jeffrey Dahmer mata e depois tem o encontro com Backderf

FILME - Jeffrey Dhamer encontra com Backderf (com resquícios de sangue nas mãos) e depois mata sua primeira vítima(???)

Não vi nenhum cinema exibindo o filme aqui no Brasil, mas pra quem quiser, já está disponível no Popcorn-Time, aproveitem e não deixem de ler o quadrinho também!

Erick Marques

Entrevista com o vampiro apresenta: André Morais

André Morais é um multiartista paraibano de grande nome no cenário cultural. Natural de João Pessoa, André nos maravilha com a sua obra que transita nas várias vertentes da arte, incluindo música, teatro e cinema; versátil como é, lançou o seu primeiro CD intitulado "Bruta Flor" ,em 2011, fazendo da sensibilidade seu argumento maior para cada canção que assina e interpreta, construindo um retrato da sua alma musical. Em seguida, nos dilacerou com "Dilacerado", album de 2015, onde explora o amor e o erotismo, apresentando dez canções de sua autoria que construiu ao longo de três anos. "Bruta Flor", que também é o nome do monólogo-musical, traz o artista vivendo um trovador que conta e canta a sua história com músicas compostas em parceria com Chico César, Carlos Lyra, Ná Ozzetti, Edu Krieger, Marco Antônio Guimarães, Ceumar, GianaViscardi e Milton Dornellas. “Diário de um Louco”, espetáculo teatral, baseado no conto russo de Nikolai Gogol foi feita em parceria com Jorge Bweres, numa produção do grupo Teatro Lavoura. A obra foi apresentada em mais de 60 cidades do Brasil, através do projeto Palco Giratório promovido pelo SESC. O espetáculo expõe as confidências de um homem comum que encontra na loucura o meio de vencer a mediocridade da existência. No cinema, trabalha como roteirista e diretor, “Alma”, seu primeiro filme, participou de mais de 20 festivais no Brasil e exterior. A obra cinematográfica conquistou o prêmio de Melhor Curta, no Festival Latino-Americano de Toronto, no Canadá; o Prêmio MEC de Melhor Curta Universitário Brasileiro; além dos prêmios de Melhor Fotografia e Melhor Curta-Metragem pela Associação Brasileira de Documentaristas e Curtametragistas de Pernambuco (ABD – PE) no CINE-PE 2005. Em 2009, o projeto de longa-metragem “Rebento”, de sua autoria, venceu o Concurso do Ministério da Cultura para Desenvolvimento de Roteiros de Longa-Metragem inéditos.

1 - André, em qual momento você percebeu que tinha aptidão para o mundo artístico?

Eu comecei a fazer teatro no colégio para fugir da educação física! Na adolescência, estar na energia competitiva do esporte não era algo que queria. Pisei no palco do Teatro Ariano Suassuna, no Colégio Marista, e lá comecei a ter contato com um mundo novo. A partir desse momento eu pude perceber que alguma coisa em mim ocupava um lugar. Um sentido de vocação mesmo! Minhas energias todas se voltavam para isso, para essa construção de um fazer artístico. Onde eu tenho um canal de expressão genuíno e onde eu vivencio um processo de amadurecimento como artista e como homem. Ali eu entendi que o que parecia ser minha fraqueza, ser sensível, sonhador e imaginativo, era a minha força.

2 - Música e performance. Qual é a importância da junção do som e da teatralidade nos seus espetáculos?

Na verdade, essa é a gênese do meu trabalho. Misturar, unir, borrar um pouco essas fronteiras das artes. Eu digo que o teatro é a minha “arte-mãe”, é a base de onde todo processo se desdobra. Então, pela minha formação como artista, não faz sentido ir por outro caminho. Eu penso sempre um show como um espetáculo, e eu sou sempre um ator em cena. Por isso, a palavra dita é tão importante quanto as canções. Nesse momento, também tenho trazido a dança, pela minha vivência de trabalho de expressão corporal que o teatro me trouxe, e assim vou construindo as camadas de cada espetáculo.

3 - Quais são as suas maiores referências no mundo do cinema e como elas transitam no seu trabalho?

Meu primeiro encantamento, na infância, foi com o cinema nacional mesmo. Os filmes dos Trapalhões ficaram muito guardados na minha memória. Depois, na minha adolescência, fui ter contato com o cinema brasileiro mais genuíno, de Vidas Secas, Deus e o Diabo na Terra do Sol, até Central do Brasil. Nesse tempo, também comecei a fazer trabalhos práticos no audiovisual, foi quando decidi entrar para faculdade de Jornalismo e daí abrir meus olhares para o cinema do mundo. Bergman, Kieslowski, Truffaut, Angelopoulos, Billy Wilder e uns tantos outros, viraram referências fortes.

4 - Qual é o maior desafio de produzir uma obra cinematográfica?

O maior desafio é vivenciar todo processo. São muitas etapas, que demandam tempo e dedicação. Meu último filme, Rebento, meu primeiro longa-metragem, foi um processo de 10 anos. Desde a etapa de criação do roteiro, a captação de recursos, a construção de uma equipe, a preparação de elenco, as filmagens e etc. Tudo é uma grande demanda de energia. Agora estou vivenciando o grande desafio que é fazer o lançamento de um longa, não é fácil.

5 – O Festival de Música da Paraíba, que vai acontecer em João Pessoa no início do ano que vem, está proporcionando aos artistas uma oportunidade de visibilidade e reconhecimento. Qual é a importância do Festival para os musicistas e compositores da terra?

Eu penso que é uma grande celebração! Uma celebração da música paraibana, uma celebração dos artistas que estão juntos nessa lida do fazer artístico. Também penso que é um encontro com os artistas de outras cidades, e isso é de suma importância, aproximar mais a Paraíba. Estou curioso para ouvir e aplaudir as obras dos meus amigos de ofício, que estão construindo coisas tão belas! Fico feliz de poder admirar e ter como referência, nesse momento, os artistas que são da minha cidade, muitos da minha idade, produzindo com tanta vocação e delicadeza. Vivenciamos um momento belo e que alegria poder celebrar isso!
6 - André, agora nos diga uma música, um filme, um clipe e um livro que te inspiram no processo criativo.
A música é "7 Cantigas Para Voar" de Vital Farias, o livro "O Amor Natural" de Carlos Drummond de Andrade, o clipe é "Sutilmente" do Skank  e o filme "Nós que Nos Amávamos Tanto" de Ettore Scola.

Erick Marques

Entrevista com a vampira apresenta: Jamila Marques

Jamila Marqes é uma libriana, cantora e compositora piauiense de berço, e paraibana de coração. Aos 17 anos de idade, mudou-se para Campina Grande, onde cursou Odontologia e logo em seguida ingressou no Mestrado pela Universidade Federal da Paraíba, em João Pessoa. Nascida em uma família de cantores, compositores e artistas plásticos, Jamila não fugiu à regra e encontrou na música um "caminho para realização e felicidade". Começou a compor em 2012 e, desde então, não parou mais. Atualmente, possui um projeto autoral, com a banda que leva o seu nome, em parceria com Pedro Regada, Diego Miranda, Ruanna Gonçalves e Philippe Dias. Definindo o seu estilo como "World Music", suas canções possuem referências do reggae, funk, jazz, pop, samba e forró. Em 2017, lançou dois clipes com as canções "Reconversa" e "Quem Sabe Felicidade", ambas de sua autoria. Atualmente está no processo de pré-produção do seu primeiro EP, que deve ser lançando em 2018. Paralelamente, participa de um projeto que homenageia mulheres da música, levando mensagens de empoderamento feminino e defendendo o espaço da mulher no mundo da música, juntamente a artistas locais como Morgana Morais, Ruanna Gonçalves e
Marcondes Orange.

- Jamila, como surgiu essa paixão pela Paraíba?

Eu tenho paixão pela vida e em vivê-la. Quando tinha 17 anos, fiz vestibular para alguns locais diferentes e então, apesar de passar na minha cidade, no Piauí, resolvi cursar odontologia na Universidade Estadual da Paraíba. Eu queria conhecer outra cultura, estilo de vida e experimentar minha independência e liberdade. A consequência de tudo isso, é meu coração ter se rendido aos encantos desta terra e hoje declarar-se "Piauíbano". Vivo aqui há mais de dez anos e sou grata, por a Paraíba ter me pegado no colo, como uma mãe gentil.

- De formação acadêmica em odontologia para a música, você imaginou que um dia adentraria na vertente musical?

Apesar de sempre sentir a arte correndo nas veias e fazer parte de uma família de escritores, compositores e artistas plástico, a musica era, para mim , uma atividade paralela, um hobby, uma terapia. Quando surgiram as composições, comecei a mostrar, timidamente, aos mais próximos e todos que ouviam diziam: "Ah! mas você tem que mostrar isso para o mundo". Isto reverberou em mim e para além. Hoje, mais que o meu hobby e a minha terapia, a música é o meu caminho para a felicidade e o melhor, ainda é o meu trabalho. hahaha.

- A composição e as ideias surgem muitas vezes quando menos esperamos, de modo natural e

despretensioso. Como é o seu processo de composição?

É exatamente assim que funciona. Costumo dizer, que estou nua e crua nas minhas composições. O que faço é traduzir em forma de canção, sem máscaras, que vem do âmago do meu ser... Há composições que vem inteiras, já outras vêm em partes. Lembro-me de quando fiz uma canção chamada "Apego", em um dia de muita saudade de minha família. Este presente, me chegou em 10 minutos. Compor é algo místico.

- O quê podemos esperar do seu EP?

Muita poesia reunida sob referências do forró, pop, samba, mpb, reggae, jazz e funk. Nosso som não se enquadra em gênero específico, ele é world music e isso é o que torna o projeto interessante, este leque de possibilidades. Utilizar a música como mecanismo de aproximação, diálogo e compreenção é uma intenção.

- Atualmente você está homenageando a cantora Rita Lee com um show especial, juntamente com Morgana Morais, Ruanna Gonçalves e Marcondes Orange. Como é cantar e reverberar a obra da Ovelha Negra da música brasileira, e qual é a importância que ela tem para o empoderamento feminino?  

Está sendo um maravilha de encontro e de proposta. Só tenho a agradecer a Morgana Morais, pela

iniciativa. Quem introduziu a Rita Lee na minha vida, foi a mamãe, D. Dila. Ao invés de cantar 'Boi da Cara Preta" para me ninar, ela me cantava "'Ovelha Negra" (gratidão, hahaha). As canções da Rita são bem a frente do seu tempo e trazia, desde muito, discussões a respeito do empoderamento feminino e autonomia da mulher, em épocas nas quais as massas nem se quer questionavam-se a respeito disso. Para mim, 'Agora Só Falta Você" é um hino que me encorajou, em vários momentos da minha vida, a " ser quem eu sou e estar onde estou".

- Os festivais são grandes polos de divulgação para os artistas mostrarem o seu trabalho para o grande público, o quê você acha da iniciativa do Festival de Música da Paraíba e, na sua opinião, o quê ele para proporcionar para os musicistas e compositores do nosso Estado?

"Minhas preces foram ouvidas", foi a frase que usei quando vi o edital... hahaha. Estava esperando por isso. Nós temos uma cena cultural muito rica, e a união e interação desta cena através de um Festival grandioso, como este, fortalecerá e muito o movimento artístico na Paraíba. Eu acredito que o caminho é este. O caminho do incentivo ao artista local, a reunião e união, daqueles que vibram numa mesma sintonia através da arte, para levar, com força, o nome da Paraíba para o mundo. Parabéns ao Governo do Estado, à Funesc , à Radio Tabajara e demais parceiros, pela iniciativa.

- Para fecharmos esse papo da forma mais inspiradora possível, diga-nos uma música, um clipe, um filme e um livro que te inspiram.

A música é "Tempo Rei" de Gilberto Gil, gosto muito do clipe "Girls Just Wanna Have Fun" de Cindy Lauper, o filme é "Le Fabuleux Destin d'Amélie Poulain" (O Maravilhoso Destino de Amelie Poulain) e o livro é "A Elegância do Ouriço" de Muriel Barbery.

Erick Marques

Mãe (2017)

Conheci o trabalho de Darren Aronofsky em 2010, quando o diretor lançou um de seus filmes mais conhecidos, "Cisne Negro", estrelado por Natalie Portman. Na época, cheguei a assisti-lo (se não me falha a memória) três vezes no cinema e até participei de uma roda interativa para discernir sobre o figurino da produção com alunos do curso de Design de Moda.

Cada vez mais fui me atentando ao trabalho do cineasta, responsável também por "Requiem para um sonho" (2000), estrelado por Jared Leto e "O Lutador" (2008) com Mickey Rourke; se aventurando também no mundo dos quadrinhos com a Graphic Novel "Nóe" (2014).

Eis que após algumas tentativas de ver o seu mais novo longa, intitulado simplesmente de "Mãe", eu finalmente consegui. Apesar de ter visto o trailer algumas vezes, eu realmente não sabia do que se tratava o filme (ainda bem, o Marketing foi inteligente, além de surpreender o espectador), me surpreendi. A produção estrelada por Jennifer Lawrence e Javier Bardem nos prende, mas é preciso se permitir envolver por tudo que acontece na tela.

É repleto de camadas e detalhes que depois são descaradamente jogados na cara de quem assiste em sequência frenética de acontecimentos.

Eu me vi tendo as mesmas reações da protagonista, reação essa que também é proporcionada pelo artifício da "câmera em primeiro plano" usada por Aronofsky, inclusive em "Cisne Negro". Drama, suspense e terror psicológico estão presentes na onda absurda, surreal, que também conta com Michelle Pfeiffer e Ed Harris no elenco. Faz uma crítica a obsessão pela fama, até que ponto a loucura e alienação afetam o nosso ser? Ânsia pela aceitação e visibilidade. Tema bastante recorrente nos dias de hoje.

Interessante notar que, até um aparelho celular (atual) aparecer em cena, eu não sabia exatamente em que época o longa era adaptado, questionamento esse que é causado pelos figurinos, objetos de cena, móveis antigos... O casal não possui nem sequer uma televisão em casa, não sei se foi intencional, poderia se passar muito bem em algum momento do começo do século passado. Sexismo e opressão feminina são temas recorrentes, agora mais do que nunca, Aronofsky os aborda; outro motivo para a minha dúvida em relação a linha do tempo, era mais comum o sexo feminino se submeter ao masculino em épocas remotas.

No cinema, vi todo tipo de reação: um casal saiu da sala pouco antes da metade do filme (uma pena), outro reclamou dizendo que queria o dinheiro do ingresso de volta, algumas refletindo sobre o que acabaram de ver... Mas o que foi unânime foi a discussão sobre o que se passou na tela.

Enquanto descia as escadas, observei que todos estavam confabulando entre si sobre o que tinham absorvida e suas devidas interpretações acerca dos acontecimentos.

Imbuido de referências bíblicas e relances do pintor contraditório espanhol Francisco Goya, "Mãe" é um verdadeiro apocalipse que começa silencioso, assim como a maioria das tragédias da humanidade.

Dividiu opiniões, iniciou discussões. Amar ou odiar. Esse é o papel da arte na sociedade.

O fazer pensar.

@bloglaranjacravo

Resenha: O Triste Fim do Pequeno Menino Ostra e Outras Histórias

Em 2010 eu vi pela primeira vez o livro "O Triste Fim do Pequeno Menino Ostra e Outras Histórias" do cineasta Tim Burton, eu e alguns amigos vivíamos explorando uma livraria que se encontrava em um shopping de João Pessoa (aos que moram na cidade, uma dica: ele fica no bairro de "Manaíra" e não, eu não estou ganhando patrocínio desse estabelecimento.)

Dentre as várias descobertas literárias encontradas na minha adolescência eis que esse pequenino livro amarelo foi uma das melhores! Sim, eu já era fã de Tim Burton desde que me entendia por gente. Na verdade, essa já é a terceira edição (brasileira) do livro (novembro/ 2010) lançado originalmente em 1997 que passou por duas reimpressões (2014/ 2016). Na época, eu sempre o via de relance na livraria porque queria comprar e apreciá-lo com a devida calma e respeito, porém, quando consegui a grana já não o achava mais, lembro que procurei, mas nada.

Sete anos depois eu achei o pequeno Menino Ostra e as outras histórias, ou eles me acharam me fazendo rir das ironias, do humor negro que é orquestrado magistralmente pelos poemas e ilustrações do cineasta, e me fazem ficar aflito pela realidade crua e realista na qual os seus personagens infantis são submetidos. Realidade essa que Tim mostra por serem desajustados, deslocados, excluídos, não convencionais ou simplesmente eles mesmos. Temas polêmicos são abordados de modo subconsciente nas aquarelas fazendo com que o impacto seja maior. 

Burton usa de recursos metafóricos e fantasiosos para mostrar com um bom humor negro o que acontece na nossa realidade, muitas vezes cruel. A obra definitivamente é dúbia, sendo alegre e triste, constantemente tragicômica e o mais importante: Nos faz refletir.

"E como era noite de Halloween

O Menino Ostra se fantasiou de ser humano."

Resenha: Meu Amigo Dahmer

"Cheio de Dahmerismos..."

E se um colega seu do colegial fosse um serial killer? Como você reagiria? É disso que se trata "Meu Amigo Dahmer" do artista e escritor Derf Backderf publicada recentemente pela editora Darkside no seu novo seguimento de Graphic Novels. A história se passa nos famigerados anos 70, Backderf conheceu Jeffrey Dahmer quando ambos estudavam na escola "Revere", no estado de Ohio, onde compartilharam de diversos momentos e onde ele conseguiu observar as ações do colega esquisitão de perto.

Jeffrey Dahmer foi um dos mais notórios assassinos em série que o mundo já viu, acusado de 17 mortes! Mas o que mais chocou nesse segmento é a natureza sexual e pervertida envolvendo necrofilia e canibalismo que os casos apresentam. A ideia de fazer uma HQ veio logo após os crimes serem descobertos em julho de 1991, primeiramente sendo publicada em oito páginas na antologia  "Zero Zero" em 1997, onde instantaneamente ganhou muitos elogios e virou um clássico. Após algumas tentativas nos anos seguintes, Derf decidiu produzir a obra do jeito que tinha previsto, aperfeiçoando o traço e detalhando a história, essa que corrobora a vida do famoso serial killer de uma maneira jamais vista antes. Como adolescente excluído com gostos peculiares, sua vida dentro de casa não era nada amistosa, com pais conflituosos á beira de um divórcio, seu passatempo favorito era recolher, armazenar e dissecar animais mortos que encontrava pelas redondezas, esse era seu universo.

O mundo bizarro de Dahmer parece não ter limites, mas é interessante como o autor/ desenhista consegue ser tão detalhista em todos os momentos, captando as emoções dos personagens. Para compor a obra Backderf entrevistou dezenas de ex-colegas e professores, além de se debruçar sobre os arquivos da polícia e do FBI. Como diz o autor: "A premissa desse livro é de que Dahmer era um personagem trágico, mas isto só se aplica até o momento em que ele mata..." 

"Meu amigo Dahmer" é uma obra detalhista, uma mistura de adolescência no "High School" americano com aquele ar de perigo e suspense! Aliás, as ilustrações noir e soturnas do autor são simplesmente fantásticas, se assemelham com os desenhos de Robert Crumb, enchendo os nossos olhos.

O livro ainda conta com fontes detalhades de diversos meios de comunicação envolvendo o caso, notas de esclarecimento adentrando os acontecimentos página por página, biografias sobre os envolvidos, cenas deletadas, esboços e material extra (incluindo a primeira HQ "O Jovem Jeffrey Dahmer" publicada em 1997). Um prato cheio e a "Darkside" caprichou muito, vai encarar?

Zodíaco (2007)

Entre cartuns e investigações

Zodíaco é um filme dirigido por David Fincher, conceituado diretor responsável por clássicos do cinema como "Clube da Luta" e "Seven - Os Sete Crimes Capitais". Baseado no "best-seller" de Robert Graysmith (interpreta por Jake Gyllenhaal), a trama conta a história de um dos assassinos seriais mais famosos que perduram o imaginário popular até os dias de hoje, tendo em vista que ele nunca foi pego pelas autoridades.

Tudo começou em 1969, o assassino mandava cartas contendo anagramas para o "San Francisco Chronicle", jornal onde Graysmith trabalhava como cartunista, o interesse pelo caso foi tanto que ele começou uma investigação particular junto com Paul Avery (Robert Downey Jr.), que fazia parte do time de jornalistas da redação. O mais fantástico sobre a história de Robert é que ele não só escreveu, mas também viveu todo o ocorrido, chegando a receber até supostas ligações do próprio Zodíaco em sua residência, indo atrás de suspeitos, desenvolvendo os anagramas e colhendo informações para contribuir com o caso. O filme de Fincher é detalhista, tendo em vista que equipamentos jornalísticos da época são evidenciados, a redação se torna um verdadeiro campo quando a polícia precisa da contribuição imediata dos meios de comunicação para avançarem na investigação. O Inspetor Dave Toschi (Mark Ruffalo), é o responsável pelo caso e é contactado por Graysmith, a investigação é complexa tendo em vista que causa o maior alarde entre a população.

Interessante notar que Fincher faz questão de expor os meios de comunicação no filme, recortes de jornais, televisões antigas, gravadores, revistas e programas de rádio são evidenciados em um tempo que não se tinha internet. Em um quadro de opiniões na rádio local uma ouvinte fala que "não deveriam publicar nada que o Zodíaco escreve, só estão publicando para vender mais jornais." Eis uma das grandes questões jornalísticas em evidência no roteiro da película: Divulgar ou omitir? Quando essa é a questão, muitas pessoas se dividem, o radialista rebate a afirmação da ouvinte dizendo que " o Zodíaco exigiu que publicassem as cartas, ou mataria mais gente..." onde ela afirma que "ele mataria de qualquer jeito".

Outro fato é que David Fincher, o roteirista James Vanderbilt e o produtor Brad Fischer passaram 18 meses conduzindo sua própria investigação para produzirem o longa. A trilha sonora nos situa e transporta para a sonoridade dos anos 60 e 70 com muita facilidade, outro trabalho muito bem feito, a fotografia é soturna (Harris Savides, também responsável por "Seven"), digna de um filme com viés investigativo. A produção não foi filmada inteiramente por meios digitais, câmeras de filme tradicionais de alta velocidade foram usadas para as sequências de assassinatos em câmera lenta. O cineasta faz jus a essa história que é tão cheia de detalhes minuciosos, "Zodíaco" é um filme para ver e rever várias vezes, é uma produção envolta em papel de jornal, seguido por um laço de filme analógico banhado de sangue! "Zodíaco" nos impressiona com os seus anagramas, vamos decifrá-los?

"O homem é o animal mais perigoso de todos..."

O livro de Robert Graysmith não é difícil de achar, para quem quer se aprofundar na história vale muito a pena! Abaixo a trilha sonora completa do filme!

Até a próxima!

Entrevista com o vampiro apresenta: Fievel Flávio

Fievel Flávio é um artista marcante, daqueles que te fazem reconhecer suas ilustrações onde quer que estejam, natural de Itapororoca no interior da paraíba ele veio morar pela primeira vez em João Pessoa no ano de 2007 mas logo depois acabou voltando para a sua cidade natal, e só em 2013 se estabeleceu na capital. De olhares penetrantes, de dialetos populares e entre descaradas aquarelas, Flávil nos revela mais do que se passa em sua mente e nos situa no seu processo de criação que já estava enraizado desde a sua infância:

LC - Flávio, quando foi que você começou a se interessar pela ilustração?

FF - Comecei a desenhar ainda na infância, era constante o exercício de rabiscar papel, e

fazia porque achava divertido. Conforme fui crescendo, cultivava como hobby, mas não

havia muito estímulo, nem orientação. Penso que na época de escola, poderia ter sido

melhor direcionado a trabalhar essa habilidade artística, mas não aconteceu. Talvez por

isso, mais tarde na adolescência, eu tenha deixado de lado essa aptidão, que hoje

percebo como vocação. Alguns anos depois, eu ingressei no curso de Design de Produto

da UFPB, e lá consegui me reconectar, ainda que pouco, com o prazer de desenhar.

Haviam oportunidades diferentes de conhecer novos materiais e técnicas, mas eu não

conseguia ir muito além de atender as tarefas que as disciplinas de desenho

propunham, era apenas técnico, além disso eu me impunha contra a ideia de me aceitar

como artista, por medo de fracassar. Na metade do curso, meu desinteresse com a área

industrial do design gritava de frustração, e acabei por ir cursar Design Gráfico no IFPB,

onde foi possível me aproximar mais do que me instigava, e as disciplinas que permitiam

um envolvimento com arte eram mais frequentes. Mas foi no tédio das aulas teóricas,

que consegui destravar essa minha satisfação em criar arte. Lembro com clareza de

pegar nanquim e papel e parir uma ilustração alí mesmo no meio de uma aula, apenas

com a pretensão de fazer o tempo passar mais rápido, de lá pra cá não parei mais. Havia

uma maneira de exteriorizar minhas ideias e eu iria tirar proveito. Então, apesar dessa

trajetória, cambaleante, é a partir desse episódio em específico, que surgiu meu

interesse e aceitação por ser ilustrador.

LC - Você geralmente introduz frases nas ilustras, cria personagens, e se auto-retrata

neles. O quão a cultura regional tem influência no seu trabalho?

FF - Frequentemente tento retratar algumas lembranças da minha infância, coisas que

cativo na memória. Como cresci no interior, onde as características regionais são bem

fortes, automaticamente isso é trazido pro meu trabalho, a partir dessa tentativa de

evocar nostalgia.

LC - Quais são os principais materiais que você usa para desenhar?

FF - Meus trabalhos são quase que unicamente manuais, então sempre uso papel, aquarela

e nanquim e raramente lápis de colorir.

LC - Qual a sensação de expor o seu trabalho e geralmente qual é a reação das pessoas?

FF - Eu gosto e tenho satisfação de expor meu trabalho. Lidar com as pessoas é interessante,

ver as reações, e as maneiras com que se conectam com os personagens, é a parte de

que mais gosto em mostrar as ilustrações.

LC - Além de criações próprias, você também ilustra personalidades que ganharam

visibilidade na internet como Inês Brasil e Mulher Pepita. Elas viram as suas ilustrações e

você recebeu feedback delas?

FF - Rsrsrs. A Mulher Pepita é a melhor, gostaria de ter feito um desenho mais elaborado

desse ícone, mas ela recebeu com muita atenção e me deu uma resposta muito

carinhosa. A caricatura da Inês Brasil, é uma arte que gosto muito tecnicamente. Ela

repostou no instagram e eu recebi reações positivas, mas muitas críticas também. Foi

interessante, no mínimo.

LC - Atualmente você está trabalhando em algum projeto? O que podemos esperar?

FF - Geralmente eu trabalho mais em conjuntos de ilustrações, que são mais soltas e

experimentais. No momento, tô trabalhando vagarosamente no meu TCC, onde o

produto final será um livro ilustrado, e sinto que será bem especial.

LC - Agora para fecharmos, uma pergunta padrão que eu sempre faço aos meus

entrevistados: Me diga uma música, um clipe, um filme e um livro que te inspiram na

hora de criar!

FF - Música: Azealia Banks - Along The Coast

Clipe: Grimes - Kill V. Maim

Filme: A Hora da Estrela

Livro: O Orfanato da Srta. Peregrine para Crianças Peculiares

Que explosão de cores e ideias! Quer saber mais sobre Fievel? Segue lá no insta:

https://www.instagram.com/fievelflavio/

@fievelflavio

Logan (2017)

Entre garras e despedidas

Para Luseni Machado

Me lembro como se fosse hoje, o ano era 2000 e o primeiro filme dos X-Men estava sendo lançado, eu tinha apenas sete anos e insisti muito para que a minha avó me deixasse assisti-lo no cinema, e ainda bem que ela deixou, se não eu não estaria escrevendo essa resenha/ experiência com esses mutantes fantásticos hoje em dia, mas tudo isso também graças ao meu tio, que sempre tinha um gibi na mão e um baú preto enorme repleto das mais variadas maravilhas que eu e o meu irmão explorávamos na infância. Á partir desse dia, virei fã, na época minha mãe até comprou uma boneca da Tempestade (interpretada por Halle Berry) e eu vibrei com aquilo, aluguei o VHS (sim, nada era melhor do que a emoção de ir em uma videolocadora), recentemente até comprei o Blu-Ray, faço isso com os filmes que tem história e emoção.

Mas de todos os personagens da trama um me chamou mais atenção, um carcaju rabugento e briguento que fuma charutos e adora uma "pinga" no bar chamado Wolverine. Interpretado pelo ator Hugh Jackman, ele não é o típico herói, ele não é o típico mocinho, muito menos o vilão, ele é um enigma, enigma esse que vem sendo desvendado durante todos os filmes da franquia e só agora foi descoberto em "Logan". Ontem fui na estréia para fechar o clico que começou há 17 anos (tudo isso já???), fui de coração aberto e pronto para ver o melhor Wolverine de todos, e o achei! Desde o começo a divulgação do filme foi incomum (principalmente se tratando de super-heróis), o painel da Fox na CCXP 2016 era repleto de fotos preto e branco, mostrando as fotografias sóbrias e a proposta da película, fora o trailer que traz na trilha a música "Hurt" de Johnny Cash que já dava toda uma atmosfera emocional. O diretor do longa, James Mangold, disse que queria fazer um filme que honrasse a verdadeira essência do personagem, que mostrasse para o público o ser humano por traz do herói: "Queríamos deixar algumas questões. Para fazer um Logan diferente, e um tom diferente de um filme do Wolverine, sentimos que não dava para se apegar com todas as tradições estabelecidas nos filmes anteriores religiosamente, senão estaríamos presos em decisões tomadas antes de nós." A intenção principal não era agradar a todos, porém agradou e emocionou.

No cinema vi pessoas de todas as idades, até crianças, a sala estava lotada e todos se emocionaram principalmente nas cenas em que o Professor Xavier (Interpretado brilhantemente desde o primeiro filme pelo excelente Patrick Stewart) aparecia, a relação dele com Logan é de pai para filho. E por falar em laços, a raivosa atriz-mirim Dafne Keen que interpreta "X-23" é mais um destaque. A atmosfera do filme é apocalíptica, muito inspirado nos clássicos do faroeste americano. 

Já se passou muito tempo, "X-Men 2" (2003), "X-Men 3: O Confronto Final" (2006), "X-Men Origens: Wolverine" (2009), "X-Men: Primeira Classe" (2011) "Wolverine Imortal" (2013), "X-Men: Dias de Um Futuro Esquecido" (2014), "X-Men: Apocalipse" (2016) e Logan se aposenta, o ator Hugh Jackman já disse que esse é o fechamento do ciclo, sua última vez na pele do carcaju, sua cartada final, Patrick Stewart também, e que bela cartada e trajetória os dois fizeram até aqui. Logan é sobre o medo, sobre confiança, sobre receio, sobre afeto e principalmente sobre a família e o amor que nos move e nunca nos faz desistir, mesmo que pareça que não existe mais esperança, ela está ali. Ao terminar o filme, as luzes se acenderam, eu me despedi de um velho amigo que me acompanhou na infância, adolescência e agora vida adulta, me emocionei e me emociono ainda mais escrevendo esse texto.

Wolverine, Logan, Hugh vocês fizeram parte da minha vida, vocês foram os super-heróis que me confortaram e me emocionaram, e viram como a família está entrelaçada nessa situação toda? Mãe, vó, irmão, tio obrigado por tudo. E mais uma vez obrigado Hugh Jackman, por ter fechado com chave de ouro a sua trajetória brilhante como o herói que você realmente é.

É muita história! Saca só o clipe da música "Hurt" do Johnny Cash, que faz parte da trilha do filme:

De emocionar! Logan está em cartaz em todos os cinemas do Brasil, em breve mais novidades! Aguardem.

Resenha: Psicopata Americano (2000)

Entre jantares e assassinatos

"Psicoapata Americano" é um filme baseado no livro polêmico de Bret Easton Ellis lançado em 1991, estreou em abril de 2000 e é dirigido por Mary Harron. Patrick Bateman (Christian Bale) é um vaidoso egocêntrico de Wall Street, sempre presente nos restaurantes mais conceituais de Nova Iorque, nos clubes noturnos mais exclusivos e nos lugares mais caros da Big Apple, com muito dinheiro e uma carreira bem sucedida o que mais poderia querer?

O enredo do longa fala sobre o nosso eu, sobre esconder nossos verdadeiros rostos com máscaras e se adequar a uma sociedade quando na verdade temos muitas contas a acertar com os nossos monstros interiores, ressaltando que o questionamento de que o mal não tem aparência é bastante pertinente. O filme contém muitos detalhes e parece que cada vez que se assiste é uma sensação e ideia diferente sobre quem é ou o que pensa o personagem por mostrar que a maldade talvez não esteja só no gesto, mas também no pensamento. Entre momentos suaves e extremos a produção tem esse poder de nos acalmar para momentos de tensão, confusão, vaidade e principalmente curiosidade tornando-se sempre revelador, principalmente no final. Christian Bale está nada mais do que sensacional no filme, de interpretação impecável, o ator transparece toda a superficialidade, sede de sangue e ódio que o personagem pede, a película ainda contém as presenças ilustres de Willem Dafoe (como o detetive Donald Kimball), Chloë Sevigny (como a secretária Jean) e Jared Letto (como Paul Allen), imperdível! A diretora Mary Harron nos ambienta perfeitamente no mundo de Patrick, na elegância, cobiça e desejo pela alta gastronomia internacional, o personagem é marcante e tem (diga-se de passagem), muito bom gosto!
Patrick é ambicioso e detalhista, exibindo seu corte de cabelo impecável, suas roupas de grife, seu caríssimo apartamento na oitava avenida e seu ego entre seus amigos (que sempre almejam um jantar no restaurante mais cobiçado da cidade: O "Dorsia"), mas isso tudo está á mostra, e o que não está? O que Patrick esconde? Vale a pena descobrir! Psicopata Americano é um filme que mistura um belo rosbife ao ponto com molho de sangue e framboesas frescas.

É sangue!!! Vai encarar? Confere aqui o trailer do filme:

Em breve mais novidades no blog, aguardem!

Resenha: Ed Wood (1994)

Entre Dráculas e vampiras:

Sabe aqueles filmes que são pouco conhecidos mas quando você descobre parece que achou uma mina de ouro? Pois bem, com "Ed Wood" é assim, longa do diretor norte americano Tim Burton de 1994, o filme conta a história de Edward Davis Wood Jr., considerado o pior diretor de todos os tempos, com roteiro baseado no livro "Nightmare of Ecstasy", de Rudolph Grey. De fotografia (Stefan Czapsky) impecável e rodado completamente em preto e branco, o filme é cômico e dramático ao mesmo tempo, com suas cenas impagáveis mostrando Wood (Johnny Deep) em suas trapalhadas e esforços infinitos para conseguir produzir os seus longas, prova que a perseverança sempre providência resultados. Afinal, Quem nunca teve uma ideia e se sentiu incompreendido?

Na época de ouro dos filmes de Hollywood (o filme é ambientado nos anos 1950), Wood entra nesse motim para provar as pessoas que tem visão, que simplesmente quer contar histórias das coisas interessantes e peculiares para ele, sempre improvisando e com mil e uma cartas na mão, o filme mostra bem esse lado versátil do diretor que gostava de vestir peças femininas (principalmente um chalé de angorá) por debaixo das masculinas, mas que depois de um tempo resolveu usá-las sem se importar com a opinião alheia, produzindo até mesmo um filme sobre essa particularidade ("Glen or Glenda", estrelada por ele mesmo e sua ex-esposa).

Tim Burton prova que é um artista e realmente entende a alma do famigerado diretor, certamente se identificou com ele não só por ser fã de filmes B de terror, mas por também ter uma visão singular do mundo. Burton e Wood tem muito em comum, durante toda a película Wood é um cara inocente que simplesmente quer fazer a sua obra ser rodada, mas precisa de um astro para alavancar o processo e conseguir financiamento, até que encontra Bela Lugosi (Martin Landau), famoso ator Húngaro em decadência, mais notável por seu papel em "Drácula" (1931), esperando pela volta dos seus dias de glória. E o que dizer dos outros personagens extravagantes e desajustados que ajudam Wood durante toda a sua empreitada: Vampira (Lisa Marie Smith), o incrível Criswell (Jeffrey Jones), Bunny Breckinridge (Bill Murray), Dolores Fuller (Sarah Jessica Parker). Johnny Deep está perfeito no papel, transparece a inocência, a garra e todo o humor que o personagem precisa para passar ao público esses sentimentos reais, até no quesito do olhar e expressão facial Deep da um show de interpretação!

"Ed Wood" é um saudosismo aos filmes antigos de terror, a época de ouro do show-business e aos programas soturnos que passaram naquela época, por se situar em Los Angeles, é ensolarado, as palmeiras gigantes entre os grandes estúdios acentuam ainda mais esse aspecto... Burton deu um tiro certeiro na trilha (Howard Shore) e nos figurinos (Colleen Atwood) também, mostrando o lado sensível e criativo dos seres extravagantes que nos habitam sem qualquer hipocrisia ou filtro, é a ideia "jogada na lata", é um sonho sendo realizado, é um homem dirigindo um filme com roupas femininas, e qual é o problema?. O filme pode não ser tão popular, mas certamente é um dos mais criativos do diretor. "Ed Wood" ambienta o espectador naquela época, é quase como uma abdução de uma nave espacial de um filme "trash" para todo aquele universo noir e cheio de personagens góticos, dramáticos e divertidos! E são poucos filmes que conseguem fazer isso tão bem.

O filme mais famoso feito por Ed Wood é "Plano 9 do espaço sideral" (1959) e pode ser visto completo aqui nesse link via YouTube:

Tim Burton fez um filme digno de aplausos! Em breve farei mais posts sobre a obra dele e muito mais, para novidades quentinhas saindo do forno curte aqui a página do blog no face!

https://www.facebook.com/laranjacravolaranja/?fref=ts

Entrevista com o vampiro apresenta: Márcio Ueoka (Monogamy Art)

Márcio Ueoka é natural de Curitiba, mas veio parar no lugar mais próximo da linha do Equador em 2011, cursando moda em João Pessoa. Em 2012 concluiu o curso, mas outra vertente da arte falou mais alto: A ilustração. Márcio é um ilustrador de pulso firme, materializa o que vem na mente sempre transitando entre o lápis e o pincel, descobri que essa é uma vontade que vem desde a infância do artista e agora potencializada com a sua namorada Talita Asami que juntos formaram a "Monogamy Art", essa mistura ficou ainda mais homogênea! Aliás ambos são descendentes de japoneses e se conheceram no Japão, depois de um hiato, reataram o contato aqui no Brasil. Vamos descobrir mais desse universo envolto por aquarelas e ideias que nos fazem transformar o que esta no papel (ou em qualquer outra plataforma) em realidade:



O céu estava confuso, não se sabia se ia chover ou se o sol ia prevalecer, ainda tinham muitas nuvens no céu quando eu e Márcio nos sentamos numa mesa próxima a piscina para batermos um papo numa tarde agradável de João Pessoa. Márcio estava com os cabelos longos e escuros soltos, óculos de armação marrom e preta, bermuda azul marinho e uma regata com uma estampa da banda "Led Zeppelin":

LC - Como a "Monogamy Art" começou? 

MU - Tudo começou no final de 2013 quando eu e Talita voltamos a nos falar e eu estava meio que sem saber o que ia fazer da vida, mas eu estava desenhando muita coisa e depois de ver alguns artistas como referência eu disse pra mim mesmo que era possível viver de arte, ela também já desenhava, então um inspirou o outro na vontade de fazer isso. Ela morava em São Paulo, então finalmente em 2014 ela se mudou pra cá, daí surgiu essa mistura, eu não usava cor nas minhas ilustrações e ela sim, disso surgiu a ideia de um projeto colaborativo entre nós dois.

LC - E porque esse nome? 

Na verdade, a nossa primeira ideia foi ilustrar animais monogâmicos e já faz uma alusão a nós dois como um casal e dupla de artistas.

LC - Que tipo de material vocês usam nas ilustrações?

MU - Nós usamos bastante materiais, mas geralmente eu foco mais no nanquim e ela na aquarela, ás vezes guache ou grafite... Isso quando estamos na plataforma do papel, mas existem inúmeras outras plataformas, já trabalhamos até com madeira inclusive... uma infinidade de materiais!

LC - Vocês resgatam personagens antigos que remetem a infância dos anos 90, como surgiu essa releitura e qual é a resposta do público que viveu essa década?

MU - Isso esta bem ligado ao início também, ao "porque que eu comecei a desenhar" sabe, quando eu era criança e via desenhos como "Dragon Ball Z", "Cavaleiros do Zodíaco", "Sakura Card Captors", e foi aí que eu comecei a desenhar algumas coisas, gostava de desenhar o Goku entre outros personagens. E agora com um traço bem definido eu pensei em resgatar esse assunto. E a galera responde muito bem, principalmente quando reconhecem personagens mais famosos como a releitura que nós fizemos de "As Meninas Superpoderosas" que foi bem divertido de fazer, fizemos alguns personagens de video-games também. É um tema que eles se identificam, até porque o público alvo dessas ilustrações é a galera que tem a idade da gente, que cresceu naquela época.

LC - Qual a influência da cultura japonesa no trabalho de vocês?

MU - É bem grande, na Talita é bem forte o mangá, pois o traço é mais delicado, os olhos são típicos desse estilo. Eu ultimamente estou buscando mais as pinturas antigas, as xilogravuras e pinturas mais tradicionais que eles usavam tentando uma adaptação para o meu traço, o "ukiyO-e" é um exemplo disso (movimento artístico), a maior referência é "A grande onda" (gravura tradicional). Também gostamos dos personagens clássicos da cultura japonesa, Gueixas e Samurais sempre estão presentes no nosso trabalho... O que nos inspirou a desenhar a princípio foram as animações japonesas. Ser artista esta muito ligado com o que você era na infância, toda criança pega um lápis pra desenhar, então automaticamente nós temos essa ligação com esses personagens que rondaram o nosso imaginário na infância.

LC - Além de tudo, vocês também fazem workshops, como funciona essa didática de ensinar ilustração?

MU - É interessante porque a gente sempre acha que não sabe de nada, e eu tenho essa vontade de trabalhar com ensino mesmo. Então Gabriela Maroja da escola de cursos "Casa Livre" conheceu o nosso trabalho e perguntou se nós não gostaríamos de ministrar algum curso, gostamos da ideia e aceitamos! Ensinamos o básico para pessoas que tem receio de aprender, ou se sentem desconfortáveis, até porque a objetivo do workshop é fazer com que a pessoa se sinta confortável com o próprio traço, não é para impressionar ninguém, mas sim para se surpreender com o próprio potencial que muitas vezes tava escondido ali!

LC - Vocês ensinam o que no workshop?

MU - Técnicas com nanquim e aquarela no geral.

LC - Como você enxerga a cena artística da cidade de João Pessoa?

MU - Eu vejo que tem bastante artista aqui, atuando em áreas distintas, ilustradores, designers, fotógrafos... Só que ás vezes eu não sei se é individualismo de cada, mas eu não vejo uma união! É foda porque todo mundo fala mas ninguém se mexe, eu não vejo motivação para os artistas daqui se juntarem para bolar algo maior e valorizar a arte... Mas vejo muito potencial!

LC - Mas você acha que esse individualismo artístico é cultural?

MU - Eu acho que é mais cultural sim, mas também tem aquela coisa de guardar "aquilo" só pra ele, no sentido de exclusividade, parece que é um medo de concorrência constante! Eu acho que mais válido seria ter cada vez mais união nesse aspecto, compartilhar mesmo.

LC - Agora me diga uma música, um clipe, um filme e um livro que te inspiram na hora de colocar a mão na massa (ou pincel haha)!

MU - Curto muito a música "Under Cover Of Darkness" do "The Strokes", os filmes do "Studio Ghibli" são sensacionais, fico impressionado com a quantidade de detalhes nos movimentos, mas se for pra escolher uma animação seria "Princesa Mononoke"! Leio muitos mangás, o meu favorito é "Samurai X" e tem dois clipes que eu gosto muito: "The 1975 - Robbers" e "Breaking The Habbit" do "Linkin Park"!

Saca só esse vídeo mostrando o processo criativo de uma série de adesivos idealizados pela Monogamy!

Valeu Márcio! Quer saber mais sobre a "Monogamy Art"?! Se liga e segue nas redes sociais também:

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